La base de toute musique électronique est l’utilisation de technologies dans le but d’enregistrer, de produire et de transformer un son. A partir des années 1940, les premiers compositeurs comme Pierre Schaeffer commencent à s’intéresser aux infinies possibilités qu’offrent ces technologies pour la composition de musique, au-delà du travail sonore d’œuvres préalablement écrites.

Cette approche artistique donna naissance à deux styles liés : la musique concrète, qui utilise des enregistrements de sons comme source plutôt que support, et la musique électroacoustique basée sur les sons produits de façon synthétique, c’est-à-dire qui ne proviennent pas d’un instrument de musique mais d’une source électrique telle qu’un ordinateur.

Parmi les nouveaux instruments électroniques, le séquenceur (aussi nommé sampler en anglais), la boîte à rythmes, le synthétiseur et les techniques de manipulation de vinyles ont ensemble défini une partie majeure de l’univers sonore des années 1970 jusqu’à aujourd’hui.

Le premier groupe à incorporer des éléments de musique électroacoustique dans une écriture de chanson inspirée de la musique populaire anglophone a été Kraftwerk. Grâce à l‘emploi presque systématique de la voix robot et de références à la robotique et aux technologies dans les paroles, la musique de Kraftwerk est vue à l’époque comme la musique du futur.

Un bon exemple est la chanson « Die Roboter » (« Les robots »). On y entend le séquenceur, qui permet de jouer en boucle de courts extraits sonores. Il ne produit pas de son, mais le reproduit et le répète. Cet instrument a donné aux musiques électroniques leur côté répétitif, ce qui fait d’ailleurs qu’une grande partie des musiques électroniques est aujourd’hui perçue comme de la musique de danse.